Mis Dos Vidas, Análisis y Explicación

¿Alguna vez has pensado cuál ha sido el momento más importante de tu vida, ese momento definitivo en el que nunca más volviste a ser la persona que solías ser? ¿Acaso fue un rompimiento, una graduación, un empleo, una mudanza, la compra de una casa, un viaje? ¿Cuál fue? ¿Y alguna vez has pensado que hubiese ocurrido en tu vida, si en ese momento hubieses tomado otra decisión?

Para Natalie Bennett (Lili Reinhart) la respuesta a esas preguntas siempre ha sido clara: el momento más importante de su vida, fue la noche de su graduación de la universidad, la misma noche en que se hizo una prueba de embarazo, y por el resto de la película vemos qué hubiese sucedido con Natalie, tanto en el evento que hubiese salido positiva, como en el evento que hubiese salido negativa.

1 ^ ¿Natalie está imaginando todo? ¿Cuál historia es real en Mis Dos Vidas?

La teoría que algunos parecen estar hilvanando respecto a Mis Dos Vidas (Título original: Look Both Ways) es que todo ocurre en la cabeza de Natalie durante los dos minutos de espera para verificar el resultado de la prueba de embarazo, dos minutos eternos en los que Natalie imagina su vida sí la prueba sale positiva, y al mismo tiempo si sale negativa. Y que al final nunca sabremos la respuesta.

Pero Natalie no está imaginando todo. Las dos historias son reales, y digamos que son universos paralelos donde el resultado de la prueba de embarazo fue diferente.

2 ^ ¿Cuál es el mensaje de la película Mis Dos Vidas?

De las pocas críticas que he leído sobre esta película, está la de que es una película antifeminista, o peor aún, simplemente misógina, porque en una de las historias nos muestra a Natalie sacrificando su vida planificada y sus sueños, por un embarazo claramente no deseado, cuando – en la opinión de estos artículos – era mucho más sencillo que se practicara un aborto.

Pero el mensaje de la película va mucho más allá de eso. En la cinta vemos a Natalie en dos situaciones opuestas, en la primera abandona sus raíces para perseguir un sueño, y en la segunda está atada por las circunstancias a esas raíces. En ambas circunstancias, Natalie entendió que la mejor versión de ella misma no está luchar por sus sueños, pero sin perder el norte de sus raíces, de entender quién es y de dónde venía.

La Natalie que nunca se embarazó, tuvo que volver con sus padres, volver a ver a Gabe y entender que hubiese sucedido con ella si la prueba hubiese salido positiva, para encontrarse a ella misma. La Natalie que se embarazó y tuvo una hija, tuvo que aprender nuevamente a luchar por sus sueños, y a aprovechar su experiencia como madre para alimentarlos.

El mensaje de esta película es que, sin importar que tan duras y tan complicadas sean las experiencias por las que pasamos, siempre podemos aprender de ellas para ser alcanzar nuestros sueños, siempre que no perdamos nuestra esencia y recordemos en todo momento para qué los queríamos alcanzar en primer lugar.

3 ^ ¿Qué significa el final de Mis Dos Vidas?

En este Multiverso, vemos que ambas versiones (¿variantes?) de Natalie encuentran la felicidad cuando logran equilibrar sus experiencias con sus sueños, logrando así, cada una a su manera, conquistar lo que siempre habían anhelado.

La escena en el baño, luego de 4 años de la prueba de embarazo, en la que las Natalies se ven al espejo y se dicen que van a estar bien, simplemente es un ejercicio que hacen para estar en paz con el camino que nunca se abrió paso en ese momento. La Natalie que se fue a Los Ángeles, y que se arrepintió de haber cortado con todo, por una vida frustrante en la que finalmente se quedó sin nada, hizo las paces con la posibilidad de haberse quedado allí, quizás luchando por sus sueños sin darle prioridad a otros. La Natalie que se convirtió en madre, y que se arrepintió de no haber tomado una decisión que le permitiera seguir con su vida, finalmente hizo las pases con esa vida que no pudo tener, pero que gracias a su talento quizás pueda tener otra oportunidad.

Quizás el asunto pase en que dejemos de arrepentirnos de las decisiones que tomamos y que no tomamos, por miedo, por capricho o por inmadurez, son parte de nuestro crecimiento personal y son al final esas experiencias las que nos convierten en el ser humano complejo y vibrante que somos actualmente.

¿Preguntas? ¿Anotaciones? ¿Dudas? ¿Insultos? La sección de comentarios está abierta justo debajo de esta publicación para que la puedan utilizar a su gusto. No siendo más nos vemos en la próxima entrega de Análisis y Explicaciones en El Sabanero X. 

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La Tumba de las Luciérnagas ¿Obra de Arte o Decepción Esnobista?

Hace un par de semanas, en medio del mar de publicaciones en las redes sociales, vi una que me llamó particularmente la atención. Era un texto simple pero contundente:

Tengo la teoría de que la gente finge que le gusta el sushi.

– Anónimo

Y luego de ver La Tumba de las Luciérnagas, me da la ligera impresión que algo similar ocurre con la aclamación universal por esta película. Y antes de que me linchen o me cancelen, déjenme explicarles por qué.

En primer lugar, estéticamente, La Tumba de las Luciérnagas es impecable. La selección cromática, el nivel de detalle en la animación, y la sonorización es indudablemente superior, especialmente para una película de 1988, que ya casi llega a su cuarta década.

Pero en lo que sí me ha perdido esta cinta es en la historia, sus personajes y como cae rápidamente en la manipulación sutil, pero efectiva del espectador.

La película tiene una trama bastante sencilla: Seita y su hermana Setsuko (suena como Setsko en español), han quedado huérfanos, tras un ataque aéreo de las fuerzas de Estados Unidos sobre Kobe en Japón. Al quedar desamparados, buscan refugio donde una tía que luego de un tiempo se vuelve poco amable, y terminan viviendo en un refugio cerca a un estanque, donde la mala alimentación lleva a Setsuko a la muerte, y poco tiempo después al mismo Seita, quien es el que carga con el peso de la historia.

Y es aquí donde empiezo a tener problemas con esta película: al estar narrada siempre desde la perspectiva de Seita – lo cuál es claro, teniendo en cuenta que es una narración póstuma de los hechos que desencaderon en su muerte – siempre vemos a Seita como el pobre niño que intentó hacer todo lo que pudo, y sin embargo falló, la película manipula al espectador a tener empatía con Seita, y a echarle la culpa del trágico final de su hermana, a su tía, a la guerra, o hasta a los mismos padres. Al último que se le ocurre culpar el espectador es a Seita, y los pocos que logran endilgarle algo de responsabilidad afirman que es simplemente un niño, pero la misma película es efectiva en señalarlo, muy sutilmente, como culpable.

En primer lugar Seita no es un niño. Tiene 14 años y ha crecido en un mundo en guerra, desde que tenía aproximadamente 8 años. Es tiempo suficiente para que madurara y aprendiera a vivir en un mundo donde las necesidades y la carencia son la norma, y no la excepción. Sin embargo, cuando iniciamos la película, vemos que Seita en ningún momento aprendió a vivir con esas limitaciones, estando muy cómodo bajo la protección de su madre y su padre, un oficial de la Fuerza Naval Japonesa. En ese tiempo, a Seita se le asignó un trabajo, que a todas luces no lo preparó en nada, y todo indica que únicamente era una pantalla para aceptar la obligatoriedad del servicio militar en un Japón en guerra, orquestada por su padre.

Una vez huérfano, Seita buscó refugio donde su tía, pero además de las raciones que le llevó al inicio, fue incapaz de tomar la iniciativa para buscar un trabajo, o por lo menos ayudar activamente en la casa, para garantizar su estadía y la de su hermana. Es muy sencillo echarle la culpa a la tía de Seita, pero en general vemos que ella fue muy amable y compartía todo con ellos, solo bajo la insistencia de que Seita colaborara al menos con el país. Pero este se quedo simplemente en casa, sin hacer nada.

Una vez las cosas con la tía se empezaron a enrarecer, Seita no buscó adaptarse a la situación, sino que utilizando los pocos medios de los que disponía se dedicó a intentar demostrarle a su tía que estaba equivocada, comprando una estufa y preparando el arroz él mismo. Lo hizo más que por proteger a su hermana, por simple orgullo, mismo que lo lleva a salir de la casa, invirtiendo los últimos medios de los que disponía para comprar basura.

La decisión de Seita de irse a vivir al lado de un pantano, lleno de insectos – que él glorifica como hermosas luciérnagas – y comiendo ranas, solo denota lo poco preparado que estaba para enfrentar su situación y como su orgullo pesó más que cualquier otra cosa. Mucho me temo que Seita creció bajo la propaganda del Supremo e Invencible Imperio del Japón, inculcado por su padre, y por eso puso su orgullo por encima del bienestar de su hermana.

La película tiene personajes, como el vendedor o el médico que le insisten en que lo mejor es pedir disculpas y por lo menos permitir que su hermana se quede junto a su tía, pero Seita nunca lo vio de esa manera. Las cosas para Seita, si no se hubiese dejado doblar por su orgullo, eran sencillas: debía dejar a su hermana con su tía, y ponerse él al servicio de la reconstrucción del país, poniéndose a la orden del nuevo mando estadounidense, o servir como ayudante en el campo, o en la industria en Tokio, o en cualquier otro lado. Pero no lo hizo, porque estaba convencido de que a) Japón no iba a ser derrotado y b) que el mundo le debía todo, y por tanto no tenía que hacer nada.

Algunos podría decir que el rasgo más significativo de Seita es su amor por su hermana, pero ese amor nunca más fuerte que su propio orgullo, y ver la recapitulación de los eventos bajo ese mismo orgullo, al menos en mi caso, me provoca un profundo malestar que raya en lo ofensivo. Básicamente es una historia en la que se justifica como el orgullo individual, alimentado por la ineptitud, desencadena dos muertes, fácilmente prevenibles.

Y terminar la cinta, no en una reflexión sobre ese mismo orgullo tóxico, sino en un perdón universal generador de lástima, con los espíritus de Seita y Setsuko viendo la ciudad moderna de Kobe, hace que sea aún más mortificante.

¿Tú que opinas de esta película?

Tren Bala: ¿Realmente existe el Nippon Speed Line?

Respuesta corta: No, Nippon Speed Line es una marca de tren creada específicamente para la película Tren Bala (Bullet Train). Incluso, en la versión del Maria Beetle, la novela en la que se basó la película, el tren es un Shinkansen, un tren de la línea ferroviaria de alta velocidad en Japón, y la línea en la que transcurre la historia es la Tohoku Shinkansen que conecta a Tokio con Aomori, en el norte de Japón.

En la película tren bala, la línea en la que ocurre la historia no viaja hacia el norte, sino al sur a Kyoto, donde se encuentra La Muerte Blanca. Recordemos que en japonés el nombre de Japón es Nippon o Nihon, por lo que tiene sentido que el tren de la película se llama Nippon Speed Line. De hecho, el nombre Shinkansen significa Nueva Línea Principal, un nombre que le ha quedado desde la época en que se construyó, y aunque el sistema sigue en construcción varias de sus líneas no son nuevas.

The Sandman ^ Análisis y Explicación.

¿Preguntas, dudas o inquietudes acerca de la nueva serie de Netflix de Sandman? Pues has llegado al lugar correcto.

¿The Sandman está basado en un cómic?

Si, The Sandman está basado en la serie de cómics de DC, que tuvo 75 entregas entres 1989 y 1996. De hecho, Lucifer, el personaje encarnado por Tom Ellis, tuvo su origen inicialmente en The Sandman, antes de tener su propia serie de cómics.

¿Lucifer y The Sandman están en el mismo universo?

El Lucifer encarnado por Tom Ellis en la popular serie ahora propiedad de Netflix, no está en el mismo universo que The Sandman, pero eso no significa que en The Sandman no hay un Lucifer. De hecho, en la nueva serie de Netflix, sí existe Lucifer, pero este está encarnado por la actriz Gwendoline Christie, a quien todos recordamos por su papel de Brienne de Tarth en Juego de Tronos.

¿Quiénes son los Eternos en The Sandman?

Además del protagonista, Sueño (Dream, en su idioma original), hay 6 eternos más en The Sandman, que gracias a Dios nada tienen que ver con los Eternos de Marvel, que de hecho usan dos palabras diferentes en ese idioma. Los eternos de DC se denominan Endless, mientras que los eternos de Marvel se denominan Eternals. Los otros seis eternos en The Sandman son:

Destino (Destiny): El eterno encargado del hilo conductor de las acciones de cada uno de los seres del universo.

Muerte (Death): Como su nombre lo indica, es la encargada del paso al otro mundo de todos los seres del universo, y aunque podría parecer aterradora, al menos en los cómics, parece más bien compasiva.

Destrucción (Destruction): es el encargado de destruir, aparentemente para crear nuevamente. En los cómics se rehúsa a seguir cumpliendo con sus deberes, luego de la destrucción causada por la Ilustración.

Desesperación y Deseo (Despair y Desire): Son gemelos y como sus nombres lo indican, tienen como misión controlar las emociones más recurrentes en los seres humanos, y por las cuales tienden a cometer grandes errores, pero también grandes proezas. Dato curioso, se presume que el planeta Kriptón de Superman, fue destruido por la influencia de Desesperación en el planeta.

Delirio (Delirium): Previamente conocido como Delight (Placer), es el eterno que en primera instancia se encargaba de controlar el placer, sin embargo luego de un evento traumático, se volvió mucho más oscuro, manejando el delirio que es un estado mucho más violento de emoción, catarsis y éxtasis.

¿The Sandman hace parte del DCEU?

Aunque en los cómics, The Sandman está en el mismo universo que Superman, Batman, La Mujer Maravilla, etcétera… la serie de TV parece estar en una línea de tiempo independiente de superhéroes metahumanos, y gracias a Dios, lo que menos quiere la gente en estos días, es más universos interconectados.

¿Alex, el hijo de Frederick Burgess es gay?

Sí, efectivamente. Alex Burgess, el hijo del charlatán que encerró a Sueño en el sótano de su casa, a cambio de su hijo o en su defecto, de inmortalidad y riquezas, sostiene una relación con Paul, uno de los empleados de su casa, que años después, tal como lo vemos en el primer capítulo, es su pareja. Aunque también hubo serios indicios de que Alex sentía atracción por Sueño.

¿Johanna Constantine es hermana de John Constantine?

No. Johanna Constantine es una versión femenina de John Constantine en el universo en el que ocurre la historia de The Sandman. Más o menos como Sylvie era una versión femenina de Loki. Sólo que acá Keanu Reeves no se va a encontrar con Jenna Coleman, en cualquier futuro cercano, para hablar sobre el multiverso.

Ahora, solo para aclarar, en los cómics, Johanna Constantine sí existe pero es una especie de tatarabuela de John Constantine. Supongo que en The Sandman invirtieron esos papeles, y muy seguramente el ancestro de Johanna se llamaba John. Interesante ¿no?

¿Quién es Nada, y por qué está en el Infierno? ¿Quién es Kai’ckul?

Aunque en la serie de Netflix, Sueño sólo explica que Nada está en el infierno «porque lo desafió», parece que hay algo más de fondo, quizás una traición o algo mucho más siniestro. Sin embargo, si nos apegamos al cómic vemos que Nada está en el infierno porque en efecto desafió a Sueño.

Nada era la líder de una tribu africana, y allí casualmente conoció a Kai’ckul. Kai’ckul es el nombre con el que la tribu de Nada conocía al amo de los sueños, y la razón de por qué lo encarna un actor diferente es sencilla: el rey de los sueños no tiene una forma única y esta depende mucho de la persona que lo ve.

Las tres veces que Nada rechazó a Sueño y su propuesta de ser la Reina del Reino de los Sueños fueron:

  1. Cuando Nada se enteró que Sueño era uno de los eternos y declaró unilateralmente que su amor era imposible.
  2. Cuando luego de hacer el amor por primera vez con Sueño, un meteoro destruye la aldea de su tribu, como pago para la afrenta de unir a un eterno con un mortal. Al ver esto, Nada se suicida.
  3. Una vez Sueño logra rescatar a Nada en el reino de la muerte, y allí rechaza nuevamente a Sueño, por lo que en pago a su afrenta, es enviada al infierno.

En la medida que vayan surgiendo más preguntas sobre The Sandman actualizaremos esta páginas. Quédense atentos.

Tren Bala ^ Análisis y Explicación

Tren Bala (Título original: Bullet Train) es una entretenida mezcla de acción y comedia, que recuerda al estilo de Quentin Tarantino mezclado con algo de la comedia absurda de Mentiras Verdaderas, burlándose quizás, del cine de acción de los 1980s y 1990s donde el héroe (o como lo conocemos en mi tierra «El Chacho») de la película sobrevive a pesar de cualquier circunstancia. La película tiene muchas, pero muchísimas capas, armadas en personajes muy bien estructurados, que sin embargo podría haber dejado a más de uno como a Doña Margarita en Yo Soy Betty, La Fea, preguntándose…

Si usted quedó como Doña Margarita después de ver esta película, no se preocupe, porque a continuación y sin más preámbulo damos inicio al análisis y explicación de… Tren Bala.

1 ^ ¿Tren Bala tiene escenas post-créditos?

Sí, Tren Bala tiene una escena post-créditos, pero para poder entender esa escena es apenas justo y necesario entender bien la película. Que bueno que para eso estamos aquí, y eso es justo lo que vamos a empezar a hacer ahora.

2 ^ ¿Quién es la Muerte Blanca y de dónde salió?

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