«Joker: Folie à Deux» es una película que desafía las expectativas y provoca una reflexión profunda, no tanto por su estructura argumental —llena de fallas—, sino por la audaz narrativa que ofrece su director, Todd Phillips. Este filme no busca ser una secuela convencional ni un simple vehículo para explotar la fuerza de su predecesor, sino un espejo incómodo que refleja, en sus propios términos, las grietas en nuestra percepción de la justicia, los héroes y, sobre todo, de la lucha social.
Argumento con fisuras
Desde el punto de vista argumental, Joker: Folie à Deux deja mucho que desear. La trama parece desmoronarse en algunos puntos clave, saltando entre momentos de brillantez y otros de confusión narrativa. Los espectadores que esperaban una evolución clara del personaje o un relato coherente que conectara con la primera entrega podrían verse decepcionados por lo disperso que resulta el guion. Aunque algunos eventos resultan cruciales para el desarrollo del Joker (interpretado nuevamente con maestría por Joaquin Phoenix), las decisiones que conducen a esos momentos parecen forzadas, artificiales y, en ocasiones, contradictorias.
La incursión del musical, representado por la relación con Harley Quinn (Lady Gaga), si bien le da al filme un toque distintivo, parece chocar con el tono sombrío que se había establecido en la primera película. Las canciones y secuencias coreografiadas no siempre logran un equilibrio, generando una desconexión que puede resultar abrumadora para aquellos que esperaban una continuación más fiel al tono oscuro del primer Joker. Aquí, el filme transita entre ser una tragedia psicológica y un show desquiciado, y este vaivén narrativo desorienta al espectador.
La visión del director: desdibujar al héroe
Sin embargo, para aquellos dispuestos a ver más allá de la estructura de la trama, Joker: Folie à Deux se revela como una obra de deconstrucción deliberada. Todd Phillips, en complicidad con Joaquin Phoenix y Lady Gaga, parece haber decidido desmantelar la imagen heroica del Joker construida en la primera película. Si bien en Joker (2019) se le presentó como una figura trágica, víctima de una sociedad injusta, en esta secuela se le despoja de cualquier manto heroico. Se nos recuerda, con crudeza, que el Joker no es un redentor, sino una figura patética y caótica, alguien que no es capaz de luchar contra el sistema desde lo estructural, sino solo desde el capricho y la anarquía.
El Joker de Phoenix, esta vez, no busca venganza ni justicia; más bien, se desmorona en sus propios delirios. El título, Folie à Deux, que se refiere a un trastorno compartido entre dos personas, establece el tono de esta relación insana entre Arthur Fleck y Harley Quinn. Pero, a diferencia de las versiones más tradicionales de estos personajes en el universo de DC, aquí Harley no es solo una cómplice del caos, sino una extensión del estado mental deshecho de Arthur. En conjunto, ambos no son más que sombras perdidas en una realidad que no pueden —o no quieren— cambiar de manera tangible. El Joker es, al final del día, una «basura perdedora», como siempre lo fue, un hombre que solo sabe destruir porque no tiene la fuerza ni la visión para construir algo mejor.
Un comentario social: héroes en la sombra
Más que un simple espectáculo de entretenimiento, Joker: Folie à Deux funciona como un agudo comentario social sobre las figuras que elegimos idolatrar y las luchas que preferimos ignorar. La primera película fue aclamada, en parte, por presentar a un «héroe» dispuesto a matar lo que percibía como injusto. Sin embargo, esta secuela subraya el vacío moral detrás de tal percepción. El Joker no es un luchador por la justicia; es un síntoma de una sociedad rota, pero no su cura.
A través de la mirada del director, Phillips parece querer enfrentarnos a una cruda verdad: como sociedad, a menudo preferimos idolatrar a figuras que utilizan la violencia y el caos para resolver problemas, en lugar de aquellas que buscan soluciones estructurales. Nos sentimos más cómodos con un Joker que mata a sus enemigos en lugar de uno que intente, de manera más efectiva pero lenta, cambiar las bases de una sociedad que, como la de Gotham, está corrompida hasta el núcleo. Arthur Fleck no es un revolucionario; es un hombre perdido, un reflejo de nuestras propias frustraciones colectivas.
En este sentido, la película deja un amargo recordatorio: aquellos que realmente luchan por un cambio estructural, los que trabajan desde las sombras para corregir las verdaderas injusticias del sistema, rara vez reciben la atención o el aplauso que merecen. El Joker es, en cierto modo, una burla a nuestra tendencia de buscar soluciones fáciles y violentas para problemas profundamente complejos.
Conclusión
«Joker: Folie à Deux» es una película que desafía tanto a sus personajes como a su público. Si bien su argumento puede parecer desarticulado y lleno de fallas narrativas, la visión del director y el trabajo de sus actores le otorgan una capa de profundidad que pocos filmes se atreven a explorar. No es una película para todos, ni pretende serlo. Es, en cambio, una reflexión incómoda sobre lo que valoramos como sociedad, sobre los héroes que elegimos y sobre las luchas que decidimos ignorar.
Si usted ha visto o ha leído un poco sobre el panorama político de los Estados Unidos, panorama que se polariza aún más para las fechas en que hay elecciones presidenciales, sabrá que hay dos estados diametralmente en cuestiones de ideología política, esos dos estados son California y Texas.
California, es un estado desmesuradamente demócrata y liberal, que promueve la integración de las minorías y los inmigrantes, los derechos de la comunidad LGTBI+, establecimiento de medidas que promueva la igualdad, salarios mínimos, derechos laborales, y en esencia un cúmulo de protecciones estatales y federales (léase nacionales), sobre los ciudadanos, contribuyan o no contribuyan a la sociedad.
Texas, por otro lado, es un estado ponderativamente republicano y conservador, que promueve las libertades individuales, el porte de armas, la identidad americana (léase estadounidense), la familia tradicional, el trabajo y el libre mercado como únicos medios para obtener beneficios y renta, y detrás de eso, la idea central de que cada individuo debe defenderse por sí mismo, lo que equivale a que todos están obligados a contribuir al desarrollo social, para no morirse de hambre.
Ahora ¿Cómo es que dos Estados con ideologías tan diferentes están en el mismo bando en la película del estudio A24, Guerra Civil? La respuesta es bastante interesante.
¿Viste la segunda parte de Dune y quedaste con la duda de si Paul Atreides (Timothée Chalamet) es realmente el Mahdi, el dios que los llevaría al Paraíso? Bueno, a continuación y sin tanto preámbulo, vamos a explicar no sólo qué es exactamente Paul Atreides, sino que analizaremos en detalle qué es exactamente lo que sucede en el Imperio, para que todo desembocara en el desmadre del final, con Guerra Santa incluida. Así que sin más ¡empecemos!
1 ^ Un poco de contexto, para que no te la comas sin pretexto.
Para entender a la perfección qué es Paul Atreides, primero tenemos que entender tanto el contexto político, como el contexto tecnológico de toda la trama.
Si usted es una de esas personas que disfruta y se carga completamente de energía cada vez que se rodea de seres queridos, de familia, de amigos, incluso de colegas de trabajo, le podría costar un poco de trabajo entender las decisiones de Chihiro, la protagonista de la nueva película de Netflix Me Llamo Chihiro (Título Internacional: Call Me Chihiro, Original: Chihirosan). Después de todo ¿por qué después de haber encontrado una familia sustituta, tres hermanas, un hermanito, dos padres, una madre, de haberlos ayudado a todos a encontrar su felicidad, y a crear un grupo repleto de cariño y afecto, Chihiro simplemente se iría? Pues si luego de finalizar la película usted ha quedado con ésta o con otras preguntas sobre esta maravillosa película japonesa, no se preocupe, porque a continuación y sin más preámbulos damos inicio al Análisis y Explicación de «Me Llamo Chihiro» («Chihirosan»).
1 ^ ¿Me Llamo Chihiro está inspirada en un manga o en un anime? ¿Tiene algo que ver con El Viaje de Chihiro?
Lo primero que alguien podría pensar al ver el nombre de la película, es que quizás tiene alguna relación con otra pieza de arte japonesa, la película de Studio Ghibli «El Viaje de Chihiro», pero luego de ver los primeros cinco minutos de la cinta, es claro que ambas películas no tienen nada que ver la una con la otra.
Lo que sí es cierto es que Me Llamo Chihiro está inspirada en un manga dibujado y escrito por Hiroyuki Yasuda. Curiosamente cada uno de los cuadros de la película está cuidadosamente diseñado para que estéticamente sea similar a la estructura del manga, y como espectador es muy sencillo imaginarse cómo luciría un anime contando la misma historia.
2 ^ ¿Cuál es la historia de Chihiro? ¿Qué le pasó cuando era niña?
Chihiro (Kasumi Arimura, en una actuación excepcional), nació como Aya Kurusawa, de lo poco que podemos inferir en la película es que Chihiro creció en una familia donde al menos tenía a un hermano y a su madre. En Japón no es inusual que los niños preparen su propia comida, y hasta cierto punto, sean independientes, sin embargo, que una niña esté a altas horas de la noche aún camino a casa, indicaría que algo no anda bien en casa.
Es posible decir que Chihiro se ve reflejada en Makoto (Tetsuta Shimada), Okaji (Hana Toyoshima), y en Betchin, y que las historias de estos tres chicos reflejan su niñez: Una madre que trabaja todo el día, que no está atenta a sus comidas, que no come junto a ella, y que cuando se irrita o se enoja, simplemente la empuja a la calle.
En la única secuencia en la que vemos a Chihiro de niña, la vemos tarde en la noche, con un bolso y comida, los Oroshi Katsu que luego le menciona a Okaji, es muy probable que esa noche su madre la haya sacado de la casa, y lo único que tenía a la mano era los rollos y su pequeño morral. Ahí, ella conoce a una prostituta, que le muestra gentileza y bondad, en un acto que no debería ser sorprendente para una niña. La prostituta, que se llama Chihiro, no sólo la acompaña a comer sus Oroshi Katsus sino que la trata amablemente.
El hecho de que Aya haya decidido de adulta tomar el nombre de Chihiro, indicaría que fue la única persona que le mostró una bondad auténtica de niña, lo cual no habla nada bien del entorno familiar de Chihiro y explicaría por qué ni siquiera fue al funeral de su madre.
3 ^ ¿Cómo terminó Chihiro trabajando como trabajadora sexual?
Una aclaración antes de seguir. No soy fan de utilizar eufemismos para referirme a cualquier concepto. Pero aquí he de respetar el nombre que la misma Chihiro utiliza para referirse a ella misma: trabajadora sexual. Nunca usa el término prostituta, y los que lo hacen son las personas cercanas a ella. No es muy complicado asumir que para Chihiro el término prostituta sencillamente no aplica, porque el contexto deshumanizante de la palabra no encaja con su actitud hacia ese tipo de trabajo. Chihiro nunca ha ocultado, ni se ha arrepentido de su trabajo, y lo ve como una profesión más, una industria de la cual hizo parte. No un estilo de vida que determina quién es.
Ahora, pasando al cómo entró ella en esa industria, podemos ver unas claves importantes en la escena en la que el Jefe Utsumi (Lily Franky) recuerda el día en que ella fue a pedirle empleo. Evidentemente la ropa que llevaba Chihiro era ropa de su madre, y era ropa de trabajo. Es posible asumir, que apenas Chihiro tuvo la oportunidad de salir de casa, lo hizo y el primer negocio en el que pensó, recordando a la primera Chihiro, fue la industria del sexo.
4 ^ ¿Cómo llegó Chihiro a ser vendedora de Bento? ¿Qué es Bento?
Bueno, en Colombia, a las comidas que encontramos generalmente a la hora del almuerzo, que tienen arroz, proteínas y ensalada, les llamamos corrientazos. El Bento es una versión japonesa del corrientazo, claro que con los ingredientes típicos del Japón. Ahora, tal y como lo vemos en la película, el Bento se vende a cualquier hora, y a diferencia de lo que ocurre con el corrientazo colombiano, el Bento hace las veces de comida rápida. Sí, en lugar de echar una salchicha entre dos pedazos de pan, en Japón, una comida rápida consiste en arroz, vegetales y pescado.
Ahora, Chihiro (por razones que veremos más abajo) decidió dejar su trabajo como trabajadora sexual, y sin proponérselo lo encontró gracias a la amabilidad de Tae, una vendedora de Bento. Al igual que la Chihiro original, Tae le mostró tanta calidez y tan amabilidad, que al igual que sucedió con la Chihiro original, quiso ser parte, también, de esa experiencia. Tae no juzgó a Chihiro sino que la vio como el alma cálida y hermosa que era por dentro, y ella con sus experiencias con Makoto, Okaji y Betchin quiso replicar esa hermosa forma de ser.
5 ^ ¿Por qué Chihiro decidió irse?
La razón por la que Chihiro dejó su trabajo en la tienda de Bento, al igual que dejó su trabajo en la sala de masajes del Jefe Utsumi es la misma: Chihiro es una persona que disfruta la soledad, pero al estar en un ambiente donde está rodeada de personas todo el tiempo, con muy poco tiempo para sí misma, llega un momento en que su estabilidad emocional se fractura y la única salida que ve ante ésta situación es simplemente buscar un mejor lugar.
A lo largo de la película vemos como Chihiro busca, casi que con desesperación un lugar para ella misma, ya sea en la azotea en su descanso, o en la casa del viejo vagabundo, o en su propia casa; pero en su casa casi siempre está Basil. En la casa del viejo vagabundo están Okaji y Betchin. Y en el momento en que estaba en la azotea, se dio cuenta que pronto no estaría sola, cuando le habló su hermano sobre la muerte de su madre.
Quizás, para ti, que eres alguien que le gusta estar rodeado de personas, de buenos momentos, de amigos, de familiares, resulta ilógico que alguien pueda quebrarse por no encontrar momentos para estar solo. Pero para algunas personas como Chihiro, y quizás como yo, esos momentos en los que puedes estar contigo mismo, analizándote, pensando, reflexionando, son tan valiosos como los momentos que pasamos con otras personas.
Es en esos momentos de soledad en los que encontramos el verdadero valor de un amigo, de un hermano, de una madre, de un padre, de un primo, de una abuela, y es lo que nos permite entregar en esos momentos una mejor versión de nosotros. Toda esa amabilidad y bondad, y buenos sentimientos de Chihiro, esa naturaleza respetuosa que valora a todo ser humano, por encima de sus acciones, no es gratuita, es lo que ella encuentra dentro de su ser cuando está en soledad y lo que acumula para entregarle al mundo.
Por eso, en la cena final, cuando están todas las personas queridas para ella, Chihiro no puede disfrutarlo, porque sabe que nunca volverá a estar sola, y que esa bondad y esa luz que brilla dentro de ella nunca más volverá a brillar y se volverá una sombra de lo que ella realmente es. Así que en lugar de resignarse a desvanecerse en un mundo sin tiempo real para ella misma, decide finalmente tomar otro camino.
Y no es que Chihiro se haya ido a otra ciudad o a otro pueblo, se ha ido a un lugar donde puede ser ella misma, en soledad la mayoría del tiempo y donde su pasado como trabajadora sexual, no sea un peso para las personas que la rodean.
Quizás todos tenemos a alguien como Chihiro cerca de nosotros, y quizás nos preguntamos por qué no le gusta salir tanto, o por qué permanece tanto tiempo callado, o por qué parece evitar las situaciones donde hay mucha gente. Haremos muy bien en pensar bien antes de juzgar, antes de criticar, antes de herir. Y por una vez, quizás, comprender que no todos somos iguales y que nos recargamos de buena energía, de diferentes maneras.
¿Preguntas? ¿Anotaciones? ¿Dudas? La sección de comentarios está abierta justo debajo de esta publicación para que la puedan utilizar a su gusto. No siendo más nos vemos en la próxima entrega de Preguntas y Respuestas en El Sabanero X.
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¿Qué sucedería en lo más profundo de tu psiquis, si la única cosa en el mundo que realmente disfrutas, que te apasiona y que además posees todo el talento para hacerla, y destacarte por encima de los demás, se convierte en tu propia prisión? Esta sencilla pregunta es la única que el guionista Will Tracy utiliza para darle forma a la siniestra comedia de horror, dirigida por Mark Mylod titulada simplemente El Menú (Título original: The Menu).
Ahora, si en medio de los costosísimos platillos servidos en el Restaurante Hawthorne, los secretos de todos y cada uno de sus comensales y las motivaciones de sus empleados, empezando por las del mismísimo chef usted ha quedado con una que otra pregunta sobre esta película, no se preocupe, porque a continuación y sin más preámbulo, damos inicio al Análisis y Explicación de… El Menú.
1 ^ ¿Qué rayos es lo que le sucede al Chef Julian Slowik?
Julian Slowik (Ralph Fiennes) es un increíblemente talentoso chef, que empezó su carrera con un pequeño negocio de hamburguesas llamado «Kiss the Chef» (Dale un beso al chef), en el que tal y como Margot (Anya Taylor-Joy) pudo apreciar en sus fotografías, era feliz. El resto de fotografías demuestra que Julian empezó una familia y siguió en el negocio de las comidas, cuando de repente quedó atrapado dentro de él.
Al igual que le pasa a muchos en nuestros días, Julian creyó que su ÉXITO dependía de que tan elevado pudiera cobrar por el costo de su servicio, por el tipo de cliente que se pudiera permitir ese costo, y por mantener contentos a las personas que se creen expertas en su arte. Sin embargo, el sueño de Julian pronto se convirtió en la peor de sus pesadillas.
Slowik trabajó muy duro para conseguir la admiración de la crítica y lo logró cuando Lillian Bloom (Janet McTeer) escribió una fantástica reseña sobre su restaurante Tantalus y «lo puso en el mapa». Pero ¿Cuál era ese mapa? Creyendo que al fin estaba logrando su sueño, Julian firmó un contrato con Doug Verrick para crear la versión del Hawthorne que vemos en la película, un restaurante en una isla, en la que sólo lo más ricos y privilegiados tienen el derecho de ir.
Pero al estar bajo contrato con Verrick, Julian tuvo que transformar su restaurante Tantalus de un negocio que disfrutaba con pasión, a su propia cárcel. Julian no tenía días libres, y perdió a su familia completa al no tener tiempo para ellos, y finalmente, al estar aislado y encerrado, perdió su cordura y se juró a sí mismo que las mismas mentiras con las que lo convencieron de crear una cárcel para sí mismo, serían la perdición de los que lo pusieron allí, y su filosofía era tan brutalmente acertada y precisa que convenció a todos los que trabajaban para él de lo mismo.
2 ^ ¿Quién es realmente Margot Mills?
La otra protagonista de la historia es Margot Mills, pero pronto en la película vemos que Margot no es lo que parece. En realidad Margot Mills es el pseudónimo que utiliza una una acompañante de alto nivel llamada Erin.
Al igual que el chef Julian Slowik, Margot al inicio disfrutaba de su actividad, pero pronto se vio rodeada de ricos con ínfulas y peticiones bizarras, como por ejemplo, el mismo Richard Leibrandt, uno de los hombres más ricos y clientes más importantes del Hawthorne. Margot fue contratada por Tyler (Nicholas Hoult) para acompañarlo al restaurante, ya que su cita inicial (la señorita Westerwelt), canceló en el último momento y el restaurante sólo acepta reservaciones mínimo para dos personas.
3 ^ ¿Qué relación tuvieron Margot y Richard Leibrandt?
Tal como Margot le confesó a Julian Slowik, ella había sido contratada como acompañante (léase prostituta), por Richard Leibrandt (Reed Birney), pero su petición fue, si bien sencilla, bastante extraña: permitirle masturbarse, mientras ella le decía lo buen padre que él había sido con ella.
La esposa de Richard, Anne (Judith Light) confirma que en efecto Margot y su hija Claire tienen un gran parecido, lo que señala que Richard podría tener algún tipo de deseo incestuoso con su propia hija, y que quizás la relación distante que tiene con ella sea el resultado de dicho deseo perverso.
4 ^ ¿Cuál fue el criterio de Julian Slowik para elegir a los comensales de su cena final?
Slowik escogió a los comensales de su última cena, como los culpables o representantes de que el simple acto de COMER BIEN, se convirtiera en un privilegio que sólo gente frívola, pedante y fraudulenta pudiera permitirse.
Los Leibrandt, Richard y Anna, son gente muy rica y poderosa, que tuvo el privilegio de asistir al Hawthorne al menos 11 veces, y si bien han tenido ese privilegio, no lo valoran lo suficiente como para recordar al menos uno de los platos que se le sirvieron en esas ocasiones. Para ellos, el comer en ese restaurante, es tan irrelevante como el dinero que gasta allí. Esto en contraposición de las personas a las que Slowik sirvió al inicio de su carrera que en realidad se sentían tocados por el sabor de su comida y su arte al cocinar.
Pero esa desacración de su arte en manos de ricos y privilegiados, jamás hubiese ocurrido de no ser por personas como Lillian y Ted (Paul Adelstein), quienes son los encargadas de tomar el talento de buenos chefs y mediante sus reseñas y sus críticas le entregan su talento a los lobos. A la vez que le quitan los sueños y las oportunidades a otros, ni siquiera porque tengan menos talento o no sean tan buenos, sino por el simple deseo de escribir algo. De emitir una opinión, sin siquiera sentarse a pensar en las consecuencias.
Y lo peor es que al llegar a la cima, con los inversores, llegas y haces partes del universo corporativo donde lo único que importa es el dinero, las ganancias, y quedas bajo el mismo mando de personas como Bryce (Rob Yang), Soren (Arturo Castro) y Dave (Mark St. Cyr), quienes con el fin de ganar dinero son capaces de crear transacciones y cobros falsos, para evadir impuestos y generar mayor ganancias para su jefe.
Y así, en medio de la crítica, los elitistas pedantes y los nuevos ricos fraudulentos, el arte de cocinar, que era lo único en lo que Julian Slowik alguna vez se consideró bueno, terminó convirtiéndose en un ejercicio experimental insípido, igual que la película de George (John Leguizamo), Calling Doctor Sunshine, que fue una película que el chef vio en su día libre y le recordó lo patético que se convierte cualquier artista cuando su pasión se deja arrastrar por el dinero.
Y finalmente Tyler, que es la representación de la sociedad actual, donde un montón de idiotas adictas a un teléfono celular, creen que porque sacan videos sobre ejercicios, o sobre alimentación, o sobre cualquier cosa sobre la que tienen un mínimo conocimiento, creen que por eso son expertos. Tyler representa la creencia de que el acceso a un conocimiento que antes era reservado por los expertos, te convierte a ti mismo en un experto también. Y el castigo de Julian es espantoso, demostrando que el muchacho que creía saberlo todo de cocina, ni siquiera es capaz de sacar adelante un simple plato bien hecho.
5 ^ ¿Cómo convenció Julian Slowik a Tyler, a Jeremy y al resto de sus empleados de morir por él?
Porque Julian utilizó todo el ingenio y carisma que alguna vez tuvo para su negocio de comida, en convencer a sus seguidores de su filosofía, de que sin importar que tan duro trabajes y que tanto éxito consigas, nunca estarás cien por ciento satisfechos y estarás siempre en un círculo vicioso de aburrimiento y ansiedad, y que en lugar de ser esclavo de ese círculo y de las personas que lo manejan, es preferible la muerte.
En el caso de Tyler, era mucho más simple, sin importar todo el esfuerzo que hiciera, jamás podría si quiera acercarse al nivel que tenía Jeremy, que siendo tan bueno como era, decidió quitarse la vida al darse cuenta que la vida que añoraba era un vil engaño. Entonces ¿para qué sirve la ambición y el deseo de ser el mejor, si en la cima de esa montaña sólo hay decepción y miseria?
Poner esa filosofía en alto, marcar un alto, dar un mensaje al mundo, era suficiente para que los discípulos de Julian, que en la práctica eran un culto a la personalidad del Chef, estuvieran dispuestos a morir por él.
6 ^ ¿Por qué Margot fue la única que sobrevivió?
Margot fue la única que encontró la última fibra de sensibilidad dentro del mar sociopático de Slowik: la pasión de calmar el hambre de sus clientes con una comida digna de recordar. Al Margot recordarle que su comida, el menú de la noche servía para todo menos para comer y que ella aún tenía hambre, Slowik tuvo al fin un reto digno en sus últimos tiempos, calmar el hambre de la joven. Al recordarle qué se sentía ser un verdadero Chef como en los días de «Kiss the chef», y al entregar un pago justo y honesto por su trabajo, Margot encontró la forma de salir de la masacre que había preparado minuciosamente el chef.
7 ^ ¿Cuáles fueron los platos de la película El Menú?
Aperitivo: Limón caviar sobre una ostra cruda de mignonette. (En el bote).
Amuse Bouche (O sea, la entrada): Pepino melón comprimido y encurtido, con nueve de leche en encaje carbonizado.
Primer Plato (La Isla): Flora y fauna de la isla Hawthorne sobre rocas de la costa cubiertas con agua marina semicongelada.
Segundo Plato (Plato de Pan Sin Pan): Apetitosos acompañamientos para pan, pero sin pan.
Tercer Plato (Memorias): Tortillas de masa histórica, grabadas con laser evocando fuertes recuerdos. Acompañadas de muslos ahumados de pollo Breese al pastor.
Cuarto Plato (Devastación): Verduras cocidas a presión, filete asado, papa confitada, jugo de ternera y tuétano. Todo acompañado por el suicidio del sous-chef Jeremy.
Quinto Plato (Limpiador de Paladar): Te de clavel rojo y bergamota salvaje.
Sexto Plato (El Capricho del Hombre): Cangrejo, suero de yogurt, lechuga de mar seca, umeboshi, algas.
Plato Adicional (La Mierda de Tyler): Cordero crudo, salsa inedible de puerros y cebolla, sin nada de cohesión.
Plato Adicional (Torta de Cumpleaños).
Plato Suplementario (Hamburguesa): Una simple hamburguesa de queso, bien hecha.
Plato Final (S’Mores): Chocolate, Galletas Industriales, Malvaviscos. Los Comensales del Hawthorne, todo cocido a fuego intenso.
8 ^ ¿Qué significa la escena final de El Menú? ¿Margot sobrevivió?
Al final vemos como con su Plato Final (S’Mores), Julian Slowik aniquila la monstruosa idea del Hawthorn, un restaurante donde sólo pueden ir ricos elitistas que no disfrutan la comida, nuevos ricos que sólo cometen fraudes, críticos que se creen dueños de las vidas ajenas, y estrellas con vidas decadentes, en una espectacular explosión que asesina a los clientes, al personal y al edificio al mismo tiempo.
Sin embargo, Margot escapa en el bote, que a mitad de camino se queda sin gasolina, sin embargo Margot parece tranquila y se queda a disfrutar de su hamburguesa con queso especial, mientras observa la explosión ¿Significa esto que Margot se ha resignado a morir? Claro que no, Margot sabe manejar la máquina de radio y puede solicitar ayuda cuando quiera, pero es ella la única persona que puede disfrutar a plenitud del Menú del Chef Julian Slowik: una sinfonía de muerte enmarcada en una experiencia culinaria cuyo fin es catártico.
Sólo ella pudo apreciar como aquellos que devoran todo a su paso, al fin fueron devorados por el monstruo que ellos mismos crearon, fundiéndose en el chocolate, el malvavisco y las galletas, en lugar de los cortes finos, las preparaciones exquisitas, murieron todos en medio de lo más barato, falso y dañino que puede pasar por la boca de un comensal. Allí Margot ha reconocido que al final, Julian Slowik tenía razón.
9 ^ ¿Cuál es el mensaje de la película El Menú?
El mensaje de la película es muy simple: nunca dejes que el mundo tome tus sueños y los deforme, establece tus objetivos de manera realista, y construye tus sueños bajo tus propias reglas, no las reglas de los demás, no con las reglas que tiene otros, los que critican, los que consumen, los que te utilizan. Al final de cuentas la única persona a la que tendrás que rendirle cuenta es a ti mismo, y cuando veas lo que hiciste en los últimos 50, 60, o 70 años de tu vida, tú mismo serás el juez y darás tu veredicto ¿Valió la pena vivir tu vida o no?
10 ^ ¿Dónde queda el Restaurante Hawthorne?
La película hace un excelente trabajo dejando en el aire la ciudad exacta donde tiene lugar la película, para dejar abierta la posibilidad de que sea básicamente cualquier ciudad costera de los Estados Unidos, sin embargo cuando la crítica Lillian Bloom aparece en escena, Tyler señala que es la crítica de Saveur, una revista especializada en cocina.
Aunque el Restaurante Hawthorne ciertamente es un lugar ficticio, la revista Saveur sí existió hasta 2021 y su base de operaciones siempre fue la ciudad de Nueva York. Tiene mucho sentido que uno de los mejores restaurantes del mundo esté en Nueva York, o al menos en una de las numerosas islas privadas cerca de Manhattan.
Ahora, la película como tal se filmó mucho más al sur, en el Estado de Georgia, y la Isla Tybee cerca a Savannah.
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