De Las Telenovelas, Los Remakes y Otros Demonios (Parte 2/2)

Los remakes habían sido más bien la excepción que la regla en los países productores de telenovelas como Brasil, México, Argentina, Colombia y Venezuela, sin embargo hubo un suceso que para bien o para mal cambió completamente el panorama: Rebelde.

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Rebelde, remake de Rebelde Way.

La telenovela (o tira como la llaman en Argentina) de la prolífica Cris Morena, fue llevada a la pantalla chica mexicana luego del éxito de otro remake, Clase 406, refrito de la colombiana «Francisco, El Matemático». Rebelde, no sólo supero el éxito de su versión orginal «Rebelde Way» y la de su antecesora «Clase 406» sino que se convirtió en un verdadero fenómeno internacional de masas, que catapultó a sus protagonistas al estrellato de la mano de su banda juvenil «RBD». Todo gracias a un remake.

Algo importante a señalar, Cris Morena fue muy estricta con las condiciones para la adaptación de su historia, casi que las diferencias en la trama no existen. Lo cual confirma la teoría de que las adaptaciones que conservan la esencia del original son un imán del éxito.

Luego del éxito descomunal de «Rebelde» no solo Televisa se metió en el cuento de los remakes, por los lados de Colombia también se le abrieron todas las puertas a las historias originales de otros países.

El primer intento, Los Reyes, adaptación de la argentina «Los Roldan» se convirtió en un suceso inmediato, a pesar de la temática un tanto polémica. «Los Reyes» contó con la dirección de Mario Ribero que le dio un carácter profundamente colombiano a los personajes originales del Cono Sur. La trama también se mantuvo fiel a la original, pero fue en el desarrollo de los personajes donde radicó su éxito.

El exito de Los Reyes solo tuvo eco en otra adaptación «Amor En Custodia», otras como «Floricienta» no tuvieron el impacto esperado y fueron a parar lejos del horario estelar.

El más reciente intento «La Traicionera» remake de «Malparida» demuestra con más claridad cuales son los errores a la hora de adaptar.

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Malparida, Telenovela Argentina.

La Traicionera ha sido un éxito moderado estando siempre en el 3 o 4 lugar en la noche Colombiana, sin embargo pareciera palidecer frente a la crítica en comparación con la versión original que fue un éxito en rating y se ganó el favor de los críticos ¿Por qué? Primero, el tono. Malparida era una tira, no una telenovela, de carácter más sombrío, no solamente el tono narrativo, sino los ambientes facilitaban el contraste entre luz y oscuridad dándole un extra a las escenas. La Traicionera es mucho más light en su tono narrativo y las escenas (y el vesturio de la protagonista) siempre está lleno de color y vivacidad, en este caso eso en vez de sumarle, le resta. En Malparida los personajes están muy bien cuidados, los personajes principales Renata (Juana Viale), Lautaro (Gonzalo Heredia) y Lorenzo (Raul Taibo) eran sencillamente encantadores, su estilo era mucho más fresco y daba paso a una naturalidad atrayente. En el caso de La Traicionera, los tres personajes principales Renata (Nela Gonzales), Esteban (Juan Manuel Mendoza) y Eduardo (Victor Mallarino) a pesar de hacer bien su trabajo se les nota mucho más rígidos, obviamente una falla de dirección. Por lo que resultaría interesante preguntar si los directores se tomaron la molestia de ver la versión original en lugar de estarle haciendo homenaje a los edificios de la Jimenez y al Transmilenio.

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La Traicionera, Remake de Malparida

Lo que ha mantenido viva a La Traicionera es la excelente trama, que es idéntica a la original, entonces además de mantener la esencia de la versión orginal, las adaptaciones deberían prestar más atención a los detalles, no se trata de hacer fotocopias, Los Reyes demostró que se puede ser fiel a la versión original y al mismo tiempo tener su propio estilo creativo. No es una tarea fácil, pero si en realidad las cadenas y los productores quieren sacar calidad, para asegurar el rating y la crítica deberían tener en cuenta que los remakes o los refritos no son sinónimo de mediocridad.

De Las Telenovelas, Los Remakes y Otros Demonios (Parte 1/2)

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La Que No Podía Amar. Cuarta Versión de Una Obra de Delia Fiallo.

La crítica por lo general es feroz en cuanto a los remakes o refritos se refiere, no solamente en la televisión, el cine y la música han tomado mano de este recurso desde sus origines por más antiguos o recientes que sean. Las primeras telenovelas (Cuba, Brasil, México) no eran otra cosa que remakes de las populares radionovelas que tanto impacto tuvieron antes que hubiese un televisor en cada hogar.

Aunque al principio cada país productor se esforzaba por mantener su identidad, echando mano del talento nacional, el carácter corporativo de las grandes cadenas de televisión ha hecho que en muchas ocasiones sea más fácil, menos arriesgado y hasta más barato sencillamente realizar nuevas versiones de historias ya hechas.

No se puede hablar de las telenovelas sin mencionar, por supuesto, a la creadora más prolífica y exitosa del genero: la escritora Delia Fiallo. Cubana de nacimiento y radicada en Miami desde su juventud, empezó su carrera en su natal La Habana tan lejos como en 1949 y casi 40 años después dio el punto final a su obra con el estruendoso éxito mundial de Cristal.

El caso de Delia prueba que los remakes son un arma de doble filo. Las versiones originales de las telenovelas creadas por la cubana se hicieron en Venezuela, pero pronto otros países empezaron a hacer sus propias versiones, incluso Colombia, que tan reticente ha sido a los remakes (hasta hace poco), de la mano de Jorge Barón produjo dos de ellas con Lucerito y Paloma.

La empresa más importante de habla hispana, Televisa ha hecho remakes de la señora Fiallo desde 1986 con Monte Calvario que en su versión venezolana original se llamaba «La Mujer Que No Podía Amar», y desde entonces se han hecho muchísimas más siendo Esmeralda (1997) la más exitosa.

A partir de 2000, Televisa compra todos los derechos sobre las obras de la señora Fiallo, pero todos los productores se han sorprendido enormemente al ver como los exitos contundentes de antaño muy poco le heredan a sus versiones mexicanas ¿Por qué? La misma Delia Fiallo ha señalado que no el problema fundamental ha sido el de quitarle el alma a sus historias. Dos historias prueban que quizás Fiallo no está del todo equivocada. Esmeralda y Cuidado con el Ángel (en su primera parte) han sido las más fieles a sus versiones originales y su éxito ha sido indiscutible. Pero otras como Mariana de la Noche y Mar de Amor han pasado sin pena ni gloria.

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Delia Fiallo vendió sus obras al mejor postor en Televisa, ahora dice arrepentirse.

El problema no es tanto si la obras se adaptan o no, el problema es quien las adapta. En el caso de Mariana de la Noche y Triunfo del Amor, la adaptadora Liliana Abud, tiene una visión muy diferente de la visión de Fiallo. No por eso deja de ser una excelente escritora, pero tratar por la fuerza de mezclar dos estilos tan distintos, la mediocridad no se hace esperar.

Carlos Romero entendió muy bien la esencia de la versión original de «Cuidado con el Ángel» y los buenos resultados no se hicieron esperar. Un caso interesante también ha sido el de «La Que No Podía Amar» que es la cuarta versión de «La Mujer Que No Podía Amar» a pesar de estar fuertemente adaptada, esta nueva versión conserva la esencia melodramática mezclada de la original con elementos mucho más modernos, la adaptadora Ximena Suarez quien también ha adaptado otras como Teresa (2011) y Alma de Hierro (2008) parece tener mucho más claro que el significado de «adaptar» como «mejorar» y no como «cambiar». Su trabajo ha tenido un recibimiento excelente por parte del público y la crítica.

¿En dónde esta la falla entonces? El problema fundamental con las versiones de la señora Fiallo es que cuando ella vendió sus obras, prefirió recibir el bono extra de dinero que le quitaba la opción de opinar sobre sus productos. Ni siquiera J.K. Rowling cometió semejante despropósito de vender sus obras a ojo cerrado, la autora se reservó muchísimos derechos incluyendo la opción de participar en la elección del elenco, opinar sobre las locaciones, los escenarios y se reservó así mismo muchos derechos referentes a la distribución.

Habiendo hablado sobre este tema, que quizás es el más polémico en el asunto de las adaptaciones, en la segunda parte de este post se hablará sobre los remakes o refritos, pero esta vez en Colombia.

The Artist (2011)

Por Frank Gaviria. @Mr_Knarf

http://autenticosdivinos.wordpress.com

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Poster de The Artist (2011)

Hacia diciembre de 2011 una romántica película nos deleitaba con la incomparable melancolía de un cine mudo que para las nuevas generaciones esta extinto. “The Artist” de un desconocido Michel Hazanavicius viene como rompedora obra cinematográfica que se sube al ring de los Premios Oscar (2012) con el film “Los Descendientes”; donde actúa el reconocido George Clooney, el mismo del café Nespresso y sus derivados.

Enfrentarnos con el cine mudo nuevamente puede producir una catarsis artística en el sector del público más exigente y, en otros, una admirable desilusión al no encontrar el entretenimiento ni los efectos especiales del cine de Spielbierg. Para los primeros, esta
película nos acompaña con una música instrumental que la hace amena y profundiza en un tema estético y social muy al alcance de nuestra época: Lo obsoleto tiene que renovarse. De esta manera encontraremos la belleza de esta narración filmada.

Lo que veremos en esta obra a blanco y negro será la historia en Hollywood de un artista conocido como George Valentin. que en el año de 1927 su vida aún tiene un constante equilibrio, hasta que se enfrenta con la llegada de dos situaciones relevantes: El cine sonoro y la aparición de una nueva cara cinematográfica, la de Peppy Miller. Como si de una “Eva al desnudo” comparasemos, Peppy Miller junto al cine sonoro, que aprendió de la herencia del arte y los artistas anteriores, llega al éxito por su actuación en una industria que se mantiene actualizando y conquista al público con nuevas presentaciones y recurrentes discursos.

“The Artist” nos desmuetra este constante cambio. En una sociedad consumista que necesita unas configuraciones visuales, artísticas y personales constantemente. Y es, a partir, de retomar esencia del cine mudo y la transformación del mismo donde se encuentra el apacible momento de visionar el film. Tiene el tinte perfecto entre el cine clásico Hollywoodense y la teletransportación de unas épocas de evidente despilfarro de un arte en surgimiento.

Y que decir de su historia de amor, tan muda, tan parlante y linealmente romántica.

Ahí lo dejo.

Sobre Ryan Gosling, Drive y La Violencia Como Arte.

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Ryan Gosling como «El conductor», foto de Onsizzle.

¿Por qué nos hemos acostumbrado a la definición pasada de moda que el cine arte es un cine aburrido que sólo lo ven los profesores universitarios de más de 60 años? «Drive», cinta protagonizada por Ryan Gosling (The Notebook) y dirigida por el danés Nicolas Widing Refn, no sólo prueba que se puede hacer una película pop, que al mismo tiempo califique como obra de arte.

Debo reconocer que muy poco conozco del trabajo de Ryan Gosling; a excepción de The Notebook y al hecho de que compartimos la misma fecha de cumpleaños, son muy pocas las referencias que tengo sobre él. Pero de lo que no queda duda después de ver esta cinta es que se merece un lugar mucho más prominente dentro del tóxico ambiente de Hollywood que este año ha ensalzado a otros menos talentosos como Ryan Reynolds.

«Drive» se parece tanto a esas películas que pasan muy tarde en la noche o en la madrugada que a pesar de que sabemos que estamos ante una película nueva, no podemos dejar de sentir un toque de nostalgia. Recuerda un poco a Pulp Fiction, en su encantadora y atrayente visión de Los Ángeles. Recuerda el estilo violento de otras cintas viejas como El Padrino, u otras más recientes como Memento, pero al mismo tiempo está ahí presente el elemento romántico del cine europeo, el mismo que apenas hemos visto por casualidad en los olvidados canales de cable y por recomendaciones de otros cinéfilos.

La historia es directa, entretenida y precisa. Las motivaciones de todos los personajes son claras y creíbles. La naturaleza de los mismos si bien no podría clasificarse de buena o mala, es consistente. Quisiera extenderme en el excelente trabajo de los actores como Ron Perlman y Christina Hendricks o el impecable trabajo de dirección y cinematografía, pero lo que realmente me ha dejado sorprendido es, primero la deslumbrante actuación de Ryan Gosling y el manejo que la cinta da a la violencia…

Ryan Gosling encarna a aun personaje cuyo nombre ignoramos durante el trancurso de la película y que solo conocemos como «El Conductor». Desde el corto que sirve como introducción a la película, vemos a un Gosling desconocido, descarnado, cruel e insensible. Pero a medida que la historia avanza vemos no sólo que el personaje tiene un lado humano conmovedor, sino un lado oscuro mucho más nocivo. Todos los ángulos de este personaje son interpretados y traducidos de manera magistral por Gosling generando una simpatía con el espectador incluso en los actos más espantosos.

El director no se anda con juegos a la hora de interpretar la violencia, no estamos ante la violencia suave de cintas como Misión: Imposible, donde el que muere si acaso queda con un rasguño. En «Drive» el director nos pone a pensar en la naturaleza frágil del cuerpo humano, porque al fin y al cabo no importa si somos estrellas del modelaje internacional o ganadores del reinado de los malucos en El Banco, Magdalena, al final de cuentas solo somos sacos de carne, sangre y huesos y lo único que en realidad marca una diferencia significativa es la forma como entendemos el mundo a través de nuestros cerebros.

Para finalizar quisiera destacar la banda sonora, nada del country rancio norteamericano, ni el jazz, ni el blues, es música popular, pop, pop electrónico del estilo de los 80 que sólo realza la belleza de está película que ojalá todos tengamos la oportunidad de ver, aunque sólo el éxito de la misma en la taquilla extranjera determinará si en realidad llegará a las salas de cine de nuestro país.

Puntuación: 4.9/5.0.

Una Princesa Llamada Selena.

En Julio de 2003, la revista Vanity Fair sacó en su portada a las adolescentes más promisorias de aquel año, entre ellas se encontraban nada más ni nada menos que Lindsay Lohan (Carcel), Las Gemelas Olsen (Anorexia), Raven (¿?), Amanda Bynes, Hilary Duff y Alexis Bledel. 8 años y medio después vemos que la revista se equivocó y en grande, no es sino recordar los escándalos en los que ha participado la una vez talentosa Lindsay Lohan, o ver que para algunas como Hilary Duff y Alexis Bledel, el estrellato fue cuestión de algunos años y que no supieron conservar su lugar en Hollywood a medida que crecieron.

Hace un par de años las apuestas se doblaron para el mismo asunto ¿Qué estrellas adolescentes son las más promisorias? Saltaba el nombre de Miley Cyrus, Demi Lovato, Vanessa Hudgens, Ashley Tisdale y Selena Gomez. La mayoría hubiese puesto las manos al fuego por la carrera de Cyrus. Después de encarnar al mega-famoso personaje infantil Hannah Montana, la carrera de Cyrus parecía estar predestinada al éxito. Dos canciones con gran éxito (Top 5) en Estados Unidos (Party in the U.S.A. ; The Climb) y un Blockbuster con la película de Hannah Montana, parecían confirmar que la hija de Billy Ray Cyrus estaba lista para ser la nueva reina del entretenimiento. Pero luego de rumores respecto a la relación de Cyrus con su familia, un sencillo con un video no apto para su público original (Can’t Be Tamed) y una película que ni fu ni fa (The Last Song) parece que la estrella de Cyrus no brilla tanto como antes.

En cuanto a Lovato, Hudgens y Tisdale, parece que luego de Camp Rock y High School Musical, no parece haber mucho entusiasmo por parte del público respecto a ellas. Sus apariciones en la pantalla se reducen a unas cuantas películas de poco renombre y algunas series de televisión donde ocupan un espacio prominente de manera temporal y en cuanto a su carrera musical, pues la verdad es que para las tres, ha perdido enormemente su momentum inicial arrastrado por el éxito de las películas de Disney.

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Estrellas adolescentes ¿ Cuál de ellas ha sido la más exitosa?

Apartando a Taylor Swift de la lista de las potenciales estrellas adolescentes, por no ser exactamente una princesa Disney. La única de estas nuevas promesas que ha logrado el éxito a punta de trabajo constante y buenas decisiones ha sido Selena Gomez.

Habiendo iniciado su carrera en «The Wizards of Waverly Place» su carrera como actriz ha sido más bien modesta, pero su éxito fundamental ha sido en el aspecto musical. Selena no decidió explotar su nombre al mejor postor para lanzar su carerra musical, sino que se unió a Greg Garman, Ethan Roberts, Joey Clement y Dane Forrest para formar una banda que originalmente se llamaría simplemente «The Scene», pero debido a algunas complicaciones pasó a llamarse «Selena Gomez & The Scene»

Se dice que el que golpea primero golpea dos veces y «The Scene» tiene muy claro eso. Su primer sencillo «Naturally» lanzado en Febrero de 2010, cuando la tendencia al electro-pop aún no estaba del todo clara, puso al grupo en el mapa musical. De ahí hasta hoy 4 de sus sencillos (Naturally, A Year Without Rain, Who Says y Love You Like A Love Song) han logrado ubicarse en el número 1 del US Dance, reafirmando el éxito de Gomez y su grupo en el ámbito de la música bailable en los Estados Unidos. Las mismas han sido certificadas varias veces con discos de oro y de platino.

Algo que es realmente de admirar de Selena es que aún a pesar que de niña no estuvo en contacto directo con la cultura latinoamericana (fue criada por su madre de origen italiano, al divorciarse de su padre de origen mexicano) se siente muy atraída al idioma español y por eso ha decido lanzar varias de las canciones de «The Scene» en castellano. También se dice que ha rechazado cambiar su apariencia física para lucir más «anglosajona» lo cual dice mucho de su personalidad (¡aprende algo Jennifer Anniston!)

No cuesta trabajo imaginar a Selena Gomez, quien a pesar de su juventud, tiene muy bien definidas sus metas y sobre todo como conseguirlas, rodeándose de buenos elementos y sobre todo aferrándose a sus raíces, lo cual demuestra que de todas las llamadas princesas, ella, la del nombre emblemático, de ojos encantadores y sonrisa tierna, es de las pocas que merece llamarse como tal.